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El arquitecto chileno Smiljan Radić Clarke ha sido anunciado como el laureado del Premio Pritzker de Arquitectura 2026, considerado como uno de los más altos honores en el campo de la arquitectura. El premio reconoce a Radić por un cuerpo de trabajo que explora la arquitectura a través de la experimentación material, la percepción espacial y un cuidado compromiso con el paisaje y el contexto. Nacido en Santiago, Chile, donde continúa viviendo y trabajando, Radić lidera la práctica Smiljan Radić Clarke, establecida en 1995. Se une a una lista distinguida de laureados anteriores, incluyendo a Liu Jiakun en 2025, Riken Yamamoto en 2024, David Chipperfield en 2023, y Diébédo Francis Kéré en 2022.

La arquitectura de Radić opera dentro de un territorio donde la experiencia fenomenológica del espacio precede a la explicación. Sus edificios suelen aparecer tranquilos, elementales y resistentes a una interpretación verbal fácil, animando a los visitantes a experimentarlos a través del movimiento, la atmósfera y la percepción en lugar de a través de la expresión formal. 

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En los primeros días después del nacimiento, la abeja permanece dentro del nido, limpiando celdas y siendo alimentada por otras trabajadoras. Con el tiempo, comienza a organizar los almacenes de polen, regular la temperatura de la colmena y vigilar la entrada. Solo en las últimas semanas de su vida sale del refugio para volar. Es en el momento del vuelo que su trayectoria comienza a intersectarse con la arquitectura y la ciudad. En busca de néctar, se desplaza a través de un territorio moldeado no solo por su memoria espacial y la disponibilidad de flores, sino por la forma en que construimos el entorno construido. Cada movimiento se convierte en una negociación con el espacio urbano: superficies impermeables que interrumpen los ciclos naturales, corrientes de aire intensificadas entre edificios, vacíos sin vegetación, fragmentos verdes dispersos entre lotes y cubiertas técnicas.

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Nicolás Valencia conversa con el arquitecto chileno Sebastián Irarrázaval, a raíz de ⁠Escritos y arquitectura,⁠ la primera monografía sobre su trayectoria, curada por Fernanda de Maio, publicado por Lettera Ventidue Edizioni en una edición bilingüe en español e italiano y financiado por el Fondo Nacional de las Artes y la Cultura 2023.

¿Quién es Sebastián Irarrázaval? Es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Fundó Sebastián Irarrázaval Arquitectos, oficina desde la cual ha desarrollado proyectos de vivienda, arquitectura pública y equipamiento cultural en Chile y el extranjero. Ha sido académico de la Escuela de Arquitectura UC, donde impartió docencia en talleres y cursos de proyecto. Su obra ha sido ampliamente publicada y expuesta, y ha recibido diversos reconocimientos nacionales e internacionales, destacando por una aproximación experimental al uso de materiales, sistemas constructivos y reutilización de estructuras existentes.

Muchas de las ideas espaciales que ahora asociamos con la arquitectura contemporánea, el uso colectivo y la experiencia corporal no se originaron únicamente en los edificios. En América Latina, estas ideas a menudo se exploraron primero a través del arte, en un momento en que los artistas cuestionaban activamente cómo podía ser ocupado, compartido y experimentado el espacio más allá de las formas tradicionales.

Durante mediados del siglo XX, la región experimentó una rápida urbanización y un profundo cambio social. Se esperaba cada vez más que la arquitectura respondiera a la vida pública, la colectividad y nuevas formas de habitar el espacio. Al mismo tiempo, el arte ofrecía un terreno más flexible para la experimentación, menos restringido por la función, la regulación o la permanencia. Como resultado, muchas preguntas espaciales se pusieron a prueba a través de prácticas artísticas antes de convertirse en parte del pensamiento arquitectónico.

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En la historia arquitectónica del territorio mexicano, el entorno construido ha funcionado no solo como un escenario humano, sino como una infraestructura biológica diseñada para organizar la proximidad entre especies. La lógica espacial resultante no es una actuación en solitario, sino una coexistencia negociada entre cuerpos humanos y animales. Examinar este patrimonio hoy es desplazar el enfoque analítico de la autoría estilística hacia un fenómeno más fundamental: la persistencia de prácticas espaciales que emergieron para sustentar formas de vida compartidas.

Varias de las características arquitectónicas que hoy se interpretan como marcadores culturales o estéticos —umbrales sobredimensionados, patios expansivos y superficies duraderas— pueden entenderse, en cambio, como huellas materiales de un contrato inter-especies. Durante siglos, caballos, mulas y ganado no fueron elementos externos a la arquitectura, sino habitantes esenciales cuya presencia física moldeó la escala, la circulación y las elecciones de materiales. Sus cuerpos dejaron huellas tangibles en el espacio: desde la altura de los accesos, pensada para jinetes montados, hasta los sistemas de pavimentación diseñados para soportar cascos, fricción y desgaste biológico. Este contrato resulta especialmente visible en el nivel del suelo de la casa colonial.

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La educación y la cultura siempre se han consolidado como pilares estratégicos para promover transformaciones sociales profundas. En este sentido, la calidad de las infraestructuras físicas no es solo una cuestión funcional, sino un elemento estructurante para la efectividad de políticas públicas consistentes — especialmente en territorios marcados por la precariedad urbana, desigualdades históricas y fragilidad institucional. Ante este escenario, la arquitectura escolar puede asumir un papel que va mucho más allá del salón de clases, convirtiéndose en catalizadora de la transformación social.

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El 23 de diciembre de 1972, Managua, la capital de Nicaragua, fue golpeada por un sismo de magnitud 6.3. En cuestión de minutos, su núcleo urbano, que durante décadas había funcionado como un centro político y económico compacto, colapsó abruptamente. En el proceso de reconstrucción que siguió, las autoridades buscaron no solo reconstruir, sino reorganizar. Su objetivo era descentralizar la ciudad y prevenir futuras paralizaciones dispersando funciones a través de múltiples zonas. Uno de los resultados arquitectónicos más significativos de este cambio fue la nueva Catedral Metropolitana. Su lenguaje moderno simbolizaba tanto la continuidad institucional como la transformación urbana. Al hacerlo, encarnó la transición de Managua de una cuadrícula urbana centralizada de estilo español a una metrópoli contemporánea y descentralizada.

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El rol de la rehabilitación patrimonial en la escena arquitectónica contemporánea se nutre de numerosas investigaciones, creencias, memorias y esfuerzos que buscan dar forma a nuestro entorno construido. Al momento de encarar una transformación, renovación o conservación arquitectónica, varias estrategias y herramientas pueden desplegarse para fomentar la convivencia entre lo existente y lo contemporáneo. En conjunto con tres prácticas de arquitectura con sede en Madrid, SOLAR, Pachón-Paredes y BA-RRO, nos propusimos conversar e indagar en sus procesos creativos e ideales, entendiendo la complejidad y el valor de los edificios del pasado como depósitos de materiales, estructuras y técnicas de otros tiempos.

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Un edificio que aún está siendo ajustado, reparado y debatido es declarado Patrimonio de la Humanidad. Otro, igualmente influyente, debe sobrevivir cinco siglos antes de que alguien considere protegerlo. Esto no es una anomalía en el sistema patrimonial; es el sistema. En todo el mundo, la arquitectura no envejece al mismo ritmo porque el tiempo mismo no es neutral. Es cultural, política y profundamente desigual. Lo que llamamos "patrimonio" no es simplemente arquitectura antigua; es arquitectura que ha alcanzado el momento adecuado en un lugar particular.

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Los sitios patrimoniales constituyen complejos archivos espaciales en los que convergen la arquitectura, la historia y la memoria colectiva. Estos abarcan un amplio espectro de contextos —desde restos arqueológicos, paisajes urbanos antiguos e históricos, paisajes listados por la UNESCO, hasta estructuras cívicas modernas tempranas e infraestructuras industriales. Sin embargo, estos entornos enfrentan desafíos: el cambio climático, la transformación urbana, desastres, necesidades sociales cambiantes y la erosión gradual del tejido material. Los proyectos de revitalización y restauración responden a estas condiciones al posicionar la práctica arquitectónica y espacial como un mediador activo entre la preservación y las topologías contemporáneas.

En la práctica actual, la conservación se entiende como un proceso creativo de adaptación y reinterpretación que sirve tanto a las comunidades como a los habitantes. Al mismo tiempo, la arquitectura monumental continúa definiendo la identidad y el paisaje de un lugar para audiencias más amplias y generaciones futuras. Se llama a profesionales de la arquitectura y la planificación a negociar contextos históricos sensibles mientras introducen nuevos programas, técnicas y experiencias espaciales. Ellos ejemplifican diversos enfoques de diseño, incluyendo intervenciones estructurales precisas, estrategias responsivas al clima y restauraciones de materiales meticulosas, junto con la inserción cuidadosa de nuevos elementos arquitectónicos. Igualmente importante es su compromiso con el conocimiento y la materialidad vernácula, que preserva la localidad y la especificidad cultural de cada sitio.

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Debajo de las superficies, detrás de las estructuras o bien entre las instalaciones, numerosos sistemas de fijaciones y elementos adhesivos conforman las conexiones necesarias en fachadas, terminaciones y cerramientos de nuestros edificios. A medida que el paso del tiempo da cuenta de la antigüedad de las construcciones y las tendencias se modifican a ritmos acelerados, la actualización de los edificios demanda atender a su deterioro, mantenimiento y mejora de rendimiento. Independientemente de sus metodologías de instalación, tecnologías o herramientas, los sistemas de fachadas ventiladas continúan transformando en la actualidad la manera de abordar el diseño y la estética de los edificios.

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La posmodernidad en Estados Unidos convirtió la arquitectura en un escenario para la memoria cultural, la ironía y el patrimonio en un momento en que el entorno construido se volvía menos cívico y más comercial y curado. A finales del siglo XX, la inversión arquitectónica ya no se centraba en instituciones públicas monumentales ni en un compromiso federal compartido con el espacio cívico. El desarrollo privado, la expansión corporativa y los entornos de consumo moldearon cada vez más las ciudades de todo el país. Los edificios asumieron un nuevo rol como imágenes culturales, se esperaba que comunicaran identidad y significado tanto como proporcionaban función.

La posmodernidad comenzó como una crítica a las promesas agotadas de la modernidad. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, muchos diseñadores ya no trataban a la modernidad como radical o socialmente redentora. Los proyectos de renovación urbana aceleraron la demolición de barrios históricos, y las batallas por la preservación de hitos plantearon preguntas urgentes sobre lo que Estados Unidos valoraba y, en última instancia, protegía. La pérdida de íconos cívicos importantes, incluida la Penn Station de Nueva York, agudizó la conciencia pública de que el progreso a menudo llega a través de la eliminación. En Chicago, el arquitecto y provocador Stanley Tigerman capturó este sentido de ruptura en su fotomontaje de 1978 The Titanic, que representa la Crown Hall de Mies van der Rohe hundiéndose en el lago Míchigan, una imagen contundente del colapso simbólico del movimiento moderno. Los arquitectos posmodernos trabajaron dentro de esta turbulencia, moldeados por choques económicos, excesos corporativos, cambios en la producción cultural y un escepticismo creciente hacia las grandes soluciones arquitectónicas.

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Durante décadas, el patrimonio ha sido más fácil de reconocer desde la calle. Protegemos fachadas, horizontes y monumentos porque son visibles, estables y legibles como activos culturales. Sin embargo, la mayor parte de lo que recordamos sobre la vida es cómo comemos juntos, nos retiramos, discutimos, cuidamos y descansamos, lo cual sucede lejos de la vista. Ocurre dentro de las habitaciones. A medida que las plantas abiertas ceden silenciosamente ante umbrales, corredores y cerramientos, surge una pregunta más profunda: ¿qué pasaría si la memoria cultural sobrevive no en lo que la arquitectura muestra, sino en cómo se vive?

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En las regiones costeras y selváticas de Costa Rica, la alta humedad y la intensa radiación solar dictan una estrategia arquitectónica centrada en la permeabilidad en lugar del encierro. A diferencia de las envolventes herméticas requeridas en climas fríos para retener el calor, la arquitectura costarricense utiliza la envolvente del edificio como un filtro climático para maximizar el intercambio de aire. El mecanismo principal para gestionar estos gradientes térmicos parece ser el alero sobredimensionado. Al extender el plano del techo significativamente más allá de la placa del piso, los arquitectos y arquitectas crean un amortiguador permanente de sombra profunda que reduce la ganancia solar y baja la temperatura ambiental antes de que el aire ingrese a la estructura. Esta estrategia, combinada con paredes permeables o inexistentes, permite un flujo de aire constante. Este es un requisito técnico crítico para el control de humedad y la prevención de la degradación de materiales a través del moho y la putrefacción.

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A través de Sudamérica, el confort ambiental se entiende no como una condición interior, sino como una que se moldea a través del espacio. En regiones marcadas por el calor, la humedad, la intensa luz solar y la variación estacional, la arquitectura ha confiado durante mucho tiempo en decisiones espaciales para moderar el clima y apoyar la vida diaria. El confort surge de cómo se abren, sombrean, ventilan y habitan los interiores a lo largo del tiempo.

En lugar de aislar los espacios interiores de su entorno, muchos proyectos contemporáneos en la región cultivan el confort a través de la profundidad, la porosidad y las zonas intermedias. La luz se filtra en lugar de maximizarse, el aire se guía a través de aberturas y vacíos alineados, y los umbrales se convierten en espacios activos de uso en lugar de bordes residuales. Estas estrategias no buscan un control ambiental uniforme, sino que producen interiores que permanecen templados, adaptables y estrechamente sintonizados con las cambiantes condiciones climáticas. En este contexto, el confort ambiental se vuelve inseparable de la experiencia espacial.

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Fundada en 2020 por Masato Igarashi, IGArchitects es una práctica arquitectónica con sede en Tokio y Saitama, Japón. El estudio, uno de los ganadores de los ArchDaily 2025 Next Practices Awards, explora una arquitectura perdurable a través de un tratamiento cuidadoso pero asertivo de la estructura, la escala y la materialidad. Antes de establecer su propia práctica, Igarashi trabajó en la empresa de gran escala Shimizu Sekkei, así como en Suppose Design Office, adquiriendo experiencia en proyectos que van desde grandes desarrollos hasta obras más pequeñas y conceptuales. Esta amplitud de experiencia continúa informando el enfoque actual de IGArchitects en la arquitectura residencial y comercial en Japón.

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Cada vez se pide que la arquitectura haga menos, no más. En entornos moldeados por el movimiento constante, el ruido y la expectativa, los espacios que permiten a las personas quedarse, pausar y estar presentes se han vuelto tanto más raros como más necesarios. Muchos lugares públicos y semi-públicos están diseñados para mantener a las personas en movimiento, consumiendo o reaccionando, dejando poco espacio para permanecer, observar o simplemente estar sin razón.

En respuesta, un creciente cuerpo de trabajo está cambiando la atención de la activación hacia la presencia. En lugar de pedir a los usuarios que interactúen o participen, estos espacios crean condiciones que apoyan el estar. La comodidad, la continuidad y la apertura permiten a las personas permanecer sin presión u obligación, haciendo de la presencia una cualidad espacial en lugar de una actividad.

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Nicolás Valencia conversa con la arquitecta chilena Macarena Cortés, autora de ⁠Turismo y Arquitectura Moderna en Chile⁠, una mirada sobre la arquitectura que permitió hacer de Chile un país turístico desde mediados de los años treinta a través de la publicidad ferroviaria.