La vivienda moderna fue uno de los lugares donde la modernidad hizo su promesa más audaz: que la arquitectura podría reconfigurar no solo la ciudad, sino también la forma en que las personas vivían en ella. Como ha argumentado el historiador arquitectónico argentino Ramón Gutiérrez, la vivienda popular es "el gran tema no resuelto, que usualmente no aparece en las historias de la arquitectura." En América Latina, esta ausencia es significativa. A lo largo del siglo XX, las ciudades en expansión convirtieron la vivienda en una de las formas más claras de imaginar el cambio urbano y el movimiento moderno entró no solo en planos y dibujos, sino también en apartamentos, barrios, calles y rutinas domésticas.

Sin embargo, una vez construidos, estos proyectos ingresaron a ciudades moldeadas por la política, la memoria, la desigualdad y las formas cambiantes de ocupación. Sus significados ya no pertenecían solo al plan original, sino a las maneras en que fueron habitados, alterados y transformados con el tiempo. Lo que esta historia revela no es adaptación, sino fricción: el momento en que la arquitectura deja de ser un modelo ideal y se encuentra con la ciudad que no puede controlar completamente.

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Antes de que un edificio pueda ser habitado, muchas otras cosas deben suceder. El agua tiene que llegar, la energía tiene que generarse, los alimentos tienen que cultivarse o transportarse y los desechos tienen que ir a algún lugar. Estos procesos suelen ser considerados como algo externo a la arquitectura, a pesar de que moldean las condiciones más básicas de la vida cotidiana.

Por eso, la idea de comunidades autosuficientes es más compleja de lo que parece a simple vista. Puede sugerir un lugar que proporciona más de lo que necesita: energía, agua, alimentos, refugio y gestión de desechos. Sin embargo, en muchos contextos latinoamericanos, la autonomía no es una separación completa del mundo. Es una forma de acercar los sistemas de la vida cotidiana a las personas que los utilizan, mantienen y cuidan.

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La modernidad a menudo se encuentra a través de formas construidas, fachadas fotografiadas, planos canónicos, manifiestos concretos. Para la mayoría de las personas, su primer encuentro fue mucho más inmediato. Fue una silla en una oficina, una estantería en una sala de estar, una unidad compacta que reorganizaba cómo uno se sentaba, almacenaba o dormía. Mucho antes de que la arquitectura moderna pudiera ser ampliamente comisionada, fue el mobiliario que ingresó al espacio cotidiano, llevando consigo una nueva lógica de vida. La promesa de la modernidad de transformar la vida a menudo se cumplía a través de estos objetos más pequeños y repetibles.

Para entender este cambio, el mobiliario debe leerse como una forma condensada de arquitectura en lugar de decoración. Los diseñadores de principios del siglo XX lo trataron precisamente de esta manera. Le Corbusier describió el mobiliario como équipement de l'habitation (equipamiento de vivienda), colocándolo dentro del sistema operativo del edificio en lugar de fuera de él. De manera similar, la Bauhaus abordó sillas y mesas como prototipos industriales, incorporando principios de estandarización, eficiencia y producción en masa en su diseño. Como ha argumentado la historiadora de la arquitectura Beatriz Colomina, la arquitectura moderna no circuló solo a través de edificios, sino a través de medios y objetos que tradujeron sus ideas en la vida cotidiana. El mobiliario se convirtió en arquitectura en miniatura: portátil, reproducible y capaz de reorganizar el espacio sin reconstruirlo.

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En el alto desierto del Valle de San Rafael, a unos pocos kilómetros de la frontera entre Estados Unidos y México en Lochiel, Arizona, una escuela de adobe se ha mantenido en pie durante más de un siglo. Construida antes de 1905, antes de que Arizona se convirtiera en un estado incorporado, la escuela sirvió a generaciones de estudiantes mexicano-americanos de Arizona y Sonora, cultivando experiencias culturales compartidas, historias y relaciones que trascienden fronteras físicas y políticas. A lo largo de décadas de educación e historias compartidas, se convirtió en un lugar donde el lenguaje y la narrativa se movían libremente, incluso mientras las tensiones geopolíticas continuaban en aumento a lo largo de la frontera. Hoy, es una de las últimas escuelas de adobe de una sola sala que quedan en los Estados Unidos.

El adobe se encuentra entre las tecnologías de construcción más antiguas en el suroeste americano, y entre las más exigentes de mantener. En climas desérticos, las paredes de tierra enfrentan un desgaste intenso debido a las temperaturas extremas, el agrietamiento por cambios estacionales y el deterioro acelerado después de eventos de tormenta. Estas vulnerabilidades requieren un mantenimiento sostenido y calificado a lo largo de muchas temporadas y décadas acumulativas. Después de años de abandono creciente y amenazas estructurales, un esfuerzo de restauración de doce años por parte de miembros de la comunidad local que entendían este edificio como infraestructura cultural crítica trajo de regreso la escuela del borde de la demolición. Que la comunidad eligiera emprender este esfuerzo, dado todo lo que la construcción de adobe exige de quienes se preocupan por ella, es una declaración sobre lo que habría costado la pérdida de este edificio. El resultado es una estructura que ahora se erige como un monumento al patrimonio mexicano-americano y un archivo vivo de la educación rural fronteriza.

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En América Latina, el suelo rara vez es solo una superficie sobre la cual construir. Puede ser un borde de río, una pendiente pronunciada, un suelo de bosque húmedo, un paisaje inundable o un territorio bajo presión ecológica. En muchos casos, trae consigo una historia de comunidades que ya sabían cómo responder a ello, construyendo sobre pilotes, plataformas o sobre el agua, mucho antes de que la arquitectura contemporánea se planteara las mismas preguntas.

Estos proyectos continúan esa conversación. Se involucran con condiciones que se mueven, absorben, erosionan y crecen, en lugar de tratar el suelo como algo a nivelar o controlar. La elevación permite que la arquitectura se adapte sin apoderarse por completo: el agua puede pasar por debajo, la vegetación puede permanecer y las pendientes pueden conservar su condición original. En cada caso, la decisión de elevarse está ligada a algo específico: agua, humedad, topografía, vegetación o recuperación ecológica, y el conocimiento de cómo construir dentro de ese marco y no en contra.

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Cuando Ciudad de México fue la sede de los Juegos Olímpicos en 1968, fue la primera vez que los Juegos se otorgaron a un país de América Latina, así como la primera vez que una nación de habla hispana los organizaba. Esto los convirtió en una buena oportunidad para proyectar a México y su cultura internacionalmente, lo que llevó al gobierno a constituir un comité organizador con destacados talentos locales. Nombraron a Pedro Ramírez Vázquez como su presidente, un arquitecto mexicano que tuvo una influencia significativa sobre el programa de construcción del estado en la mitad del siglo. Su enfoque era explícito: la arquitectura como una síntesis de la técnica moderna internacional con referencias precolombinas y cultura material local. Bajo su dirección, el comité supervisaría la construcción y adaptación de las instalaciones distribuidas por los distritos del sur de la Ciudad de México, casi todas diseñadas y construidas por arquitectos, ingenieros y técnicos locales.

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Son las ocho de la mañana y la pantalla del automóvil indica que hay 36° en las calles de San Pedro Sula en Honduras. El cielo está casi despejado: su azul es intenso y brillan las pocas nubes que circulan. El aire acondicionado de los automóviles—todos con vidrios polarizados— hacen olvidar que, al bajarnos, el aire cálido y húmedo pesa sobre los hombros y hace sudar de inmediato.

Puerto Cortés, en el Caribe, está demasiado lejos como para pegarse un chapuzón, pero en el barrio de Armenta el río homónimo baja casi en silencio desde la Sierra del Merendón y corre de oeste a este entre piedras grises. En la ribera norte, los árboles altos y frondosos en el borde superior del barranco dan sombra a una plaza larga, seca y polvorienta, mientras las gruesas raíces levantadas le dan rugosidad al terreno. El sol duele menos.

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La arquitectura a menudo se evalúa a través de lo que se construye. Pero en muchos casos, lo que importa sucede después, cómo se utilizan, adaptan y convierten los espacios en parte de la vida cotidiana. Para Región Austral, ganadores de los Next Practices Awards 2025 de ArchDaily, aquí es donde realmente comienza el diseño. Trabajando en muchos contextos, la práctica aborda el espacio público no como un objeto único, sino como algo que necesita ser activado, negociado y sostenido a lo largo del tiempo. Sus proyectos se centran menos en definir la forma y más en crear las condiciones para el uso, con el diseño como punto de partida.

Este enfoque se puede ver en diferentes contextos, desde la Plaza del Barrio Olímpico hasta el Playón Red de Chacarita. Si bien cada proyecto responde a una situación específica, ambos exploran cómo el espacio público puede apoyar la vida colectiva en áreas marcadas por la fragmentación y la desigualdad. En lugar de seguir un enfoque predefinido, el trabajo se adapta a diferentes condiciones urbanas, utilizando la participación y estrategias incrementales para dar forma a cómo funcionan los espacios a lo largo del tiempo.

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En 1962, el arquitecto Buckminster Fuller imaginó una ciudad flotante que liberaría a la humanidad de la dependencia de la Tierra. El proyecto hipotético consistía en enormes esferas geodésicas aéreas que levitarían naturalmente en el aire caliente calentado por el sol y que estarían ancladas en la cima de las montañas. Proponiendo albergar a miles de personas, las Cloud Nine de Fuller tenían como objetivo aliviar la política de propiedad de la tierra, la escasez de viviendas y ayudar en la preservación de la naturaleza.

Pasado más de medio siglo, seguimos distantes de concretar la idea de Fuller. Crear una estructura verdaderamente flotante en la superficie de la Tierra permanece, hasta el momento, como un ideal inalcanzable. Mientras los soportes aún se imponen como necesidad, manipulamos su posición, su intensidad, su cantidad, desarrollando acrobacias para, al menos, acercarnos a la idea de vencer la gravedad, ese deseo que hace tanto tiempo fascina a la humanidad.

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La inundación no llega como una sorpresa. Regresa, siguiendo los mismos ríos desbordados y cielos de monzón, aflojando el suelo y entrando en hogares que nunca estuvieron destinados a resistirla. Las paredes se desatan antes de perderse, los materiales se recogen antes de que se desplacen, y las estructuras se reconstruyen con una familiaridad que sugiere que esto no es destrucción, sino secuencia. En paisajes donde el agua regresa cada año, la supervivencia se define por la capacidad de comenzar de nuevo.

A través de las llanuras de inundación de Bangladesh, la cuenca del Brahmaputra y el delta del Mekong, la inundación es una certeza estacional. Informes de instituciones como el Banco Mundial y el Panel Intergubernamental sobre Cambio Climático a menudo enmarcan las inundaciones a través de la exposición y el daño, midiendo el éxito a través de la resistencia y la durabilidad. Sin embargo, en territorios que están sumergidos anualmente, tales métricas solo describen parcialmente el problema. El suelo mismo oscila entre estados sólidos y líquidos. Construir como si estuviera fijo es diseñar en contra de la misma condición que lo define.

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La industria de la construcción hoy enfrenta una paradoja inevitable: la urgente necesidad de soluciones sostenibles para el futuro de las ciudades choca con el agotamiento del término "sostenibilidad" en sí mismo, a menudo reducido a una etiqueta comercial vacía. En este escenario, Arquivo – uno de los ganadores del Premio Next Practices 2025 de ArchDaily – surge como un facilitador y mediador entre diferentes actores en el campo de la construcción a través del desmontaje – o más bien, la de-construcción – y la reutilización de elementos de construcción. Etimológicamente, si "construcción" deriva del latín construere (amontonar, ensamblar), el prefijo "de-" impone una inversión conceptual: no se trata de destruir, sino de desmontar con inteligencia para entender la lógica de las partes.

Mientras que las prácticas de demolición convencionales generan un gran volumen de desechos y consumo de energía, Arquivo propone la reutilización como una alternativa viable para la economía circular. La empresa opera en el vacío entre la eliminación y la nueva construcción, guiada por una premisa clara: "La reutilización solo se realiza plenamente cuando el material adquiere una nueva vida."

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Tres proyectos han sido elegidos por la comunidad ArchDaily en Español como los ganadores del Premio Obra del Año 2026. Los ganadores, representando Perú y Ecuador, fueron seleccionados tras tres semanas de votación pública, entre más de 800 proyectos. El premio reconoce a lo mejor de la arquitectura de Latinoamérica y España, decidido por su comunidad.

Quedan dos días para votar por los ganadores del Premio Obra del Año 2026 de ArchDaily en Español. Los tres ganadores se darán a conocer el 16 de abril, tras tres semanas de votación pública. Los 15 finalistas elegidos por el público reúnen la amplitud de la producción iberoamericana reciente, desde Argentina, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, España, México, Perú, y Uruguay.

Descubre a los 15 finalistas y ayuda a elegir los tres proyectos más relevantes del último año en los países de habla hispana. En esta etapa final, cada persona puede votar por un proyecto al día hasta el 15 de abril a las 18:00 (GMT-4).

Durante las últimas dos semanas, la comunidad de ArchDaily en Español envió más de 17.000 nominaciones, derivando en 15 finalistas que representan algunas de las obras arquitectónicas más emblemáticas del último año. El mayor premio de arquitectura del mundo hispano, decidido por su comunidad, el Premio Obra del Año 2026 existe para reconocer lo mejor de la arquitectura en los países de habla hispana.

Estos 15 finalistas, elegidos por votación pública en esta 17ª edición, reúnen la amplitud de la producción iberoamericana reciente, a la vez que permiten reconocer ciertos desplazamientos compartidos: una arquitectura que privilegia decisiones constructivas claras, que trabaja desde condiciones y restricciones reales, y que entiende el proyecto como una forma de adaptación a contextos específicos.

Nicolás Valencia conversa con el arquitecto chileno y Premio Nacional de Arquitectura 2022, Fernando Pérez Oyarzún, sobre el tercer volumen de ⁠Arquitectura en el Chile del siglo XX⁠, en el auditorio del Campus Lo Contador de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

El periodo abarca entre 1950 y 1980, época en la que Chile desarrolla una arquitectura como reflejo de lo que fueron los años de la reconstrucción europea y el surgimiento de un nuevo orden mundial marcado por el dominio internacional de los Estados Unidos y la Guerra Fría.

En noviembre de 2025, ArchDaily lanzó su primera edición de los Student Project Awards. La decisión de introducir este nuevo premio provino de un lugar de esperanza; confianza en las próximas generaciones de arquitectos y arquitectas, su talento y visión, y la importancia de darles visibilidad y reconocimiento. Después de todo, el futuro de la arquitectura se está formando ahora mismo, en aulas, estudios y talleres alrededor del mundo, y es vital apoyar a aquellos que lo están moldeando. La respuesta fue notable, con proyectos de estudiantes de todos los continentes, mostrando una riqueza y amplitud de puntos de vista, soluciones y visiones.

Cinco meses después del lanzamiento de la convocatoria abierta, y tras los anuncios de una larga lista de 104 proyectos y una lista corta de 20, nuestro jurado externo de arquitectos y profesionales revisó cuidadosamente las propuestas para seleccionar a los tres ganadores y cuatro menciones honoríficas de los ArchDaily Student Project Awards. Abordando cada proyecto con cuidado, el jurado miró más allá de los resultados finales, enfocándose en las ideas, preguntas y posiciones que impulsan el trabajo. El resultado es una selección de proyectos ganadores que reflejan tanto el espíritu de los premios como las prioridades cambiantes que están moldeando la arquitectura hoy en día.

Nicolás Valencia conversa con Anna Ramos, directora de la Fundació Mies van der Rohe, y la arquitecta e investigadora Laura Martínez de Guereñu, autora de ⁠Lilly Reich in Barcelona: The Materialization of a Neglected Authorship⁠.

Martínez de Guereñu estudia la obra que Lilly Reich y Mies van der Rohe construyeron en tándem creativo: desde la famosa Sala de Vidrio en la exposición La Vivienda de Stuttgart y el Café de Terciopelo y Seda en La moda de la mujer, de Berlín, ambas en 1927, hasta su obra maestra en la sección alemana de la Exposición Internacional de Barcelona en 1929, el Pabellón representativo de Alemania.